Rencontre avec : Marc Antolin

Traduction française après la version originale

Marc Antolin © Steve Tanner

Marc Antolin is once again working with Emma Rice, as Kneehigh theatre company brings back The Flying Lovers of Vitebsk on stage. He steps back into the part of Marc Chagall in this musical about the painter’s artistic and personal life with his wife Bella. With shows such as Matilda, Peter Pan or Romantics Anonymous the actor keeps sharing with the British audiences varied and brilliant performances. We had the opportunity to talk to him on the final day of the London run of The Flying Lovers of Vitebsk, before he takes the show on a tour across the US and UK.

Is there a difference between playing a made up character and a real one like Marc Chagall ?

There is a massive difference, when you play a real character you have lots of research that you can do on that person. Especially with Marc Chagall there was so much information I could access : videos, pictures, books, so you sort of have a starting point. Whereas when you’re playing a made up character you have a free reign over what you can do with it. Which is quite exciting because then you can be as elaborate and imaginative as you wish. But the nice thing about playing real characters in theatre productions is that you still have a licence to enhance them slightly, because obviously if it’s a theatrical production like The Flying Lovers of Vitebsk they’re going to be bigger versions of that character. For example Marc Chagall didn’t speak english, he was Russian but Emma Rice, the director, allowed me to use my own accent because he was a working class painter. His wife, Bella is from a quite well-off family, they owned lots of jewelry shops and it’s quite nice, because of that, to have that difference of accents between the two characters in the show.

Do you need to identify with the character you’re playing ?

Yes I suppose you do identify with those characters. What’s really nice with Marc Chagall is that I’ve got the same name which is a good start! You find elements of yourself in those characters and use those more, like the cheeky childlike nature of Marc Chagall and being an artist. And even when you make up characters you put a bit of your own self or people that you know in there.

How does that work when you’re playing several characters at the same time, like you did in Romantic Anonymous ?

It was really funny because there’s also something really exciting about not identifying with them. Especially with those sort of characters that I wouldn’t necessarily share a trait with. But you’re playing someone else which is what acting is I guess, isn’t it ? It’s really nice to go completely far away from yourself and play something that isn’t associated with you.

The actress playing your wife has changed for this year’s production, because it’s such an intimate relationship between the two characters on stage, do you feel like your version of Chagall has altered as well ?

Yes completely! Audrey Brisson played it when we did it the last time and Daisy Maywood is playing it this time. They’re both exceptional and very different. Emma Rice was so open to changing the show, her productions are always influenced by the people that she casts. When she comes to remount a production with a new actor she’s very much involved in the process of allowing them to put their own stamp on it. It’s been lovely for me because it’s kept the show fresh and made me find different things rather than do what I did before.

You’ve worked several times with Emma Rice, what do you like so much about her work ?

Yes, the first show I did with Emma was The Flying Lovers of Vitebsk two years ago, since then I did Twelfth Night and Romantics Anonymous. Emma is amazing and so inspiring. She just creates a rehearsal room where actors can play which is really what you want from everything you do! It’s such a fun, creative and imaginative process. I remember seeing a show of hers eight years ago, The Umbrellas of Cherbourg and I just loved everything about it. There’s no trickery or hiding anything from the audience, they are very much part of her productions and she just tells beautiful stories in such an engaging, clever and simple way.

Does it ever get boring playing the same thing every night ?

No not at all, in these kind of shows Emma allows the audience in, so reactions completely change from night to night and you can respond to those reactions differently. Especially with this, I get so much to do in the show it’s lovely. You can change things nightly and having the trust with Daisy that if one of us changes something the other one will go with it. Also because we’re going on tour communities will respond really differently to the show. We’re going to America next and I’m sure that will be a different audience completely. For example when we did the show in Edinburgh at the Festival last year it was really interesting and funny because a lot of the people watching were artists in some way so they got a lot of the jokes about being a suffering artist and putting your art before your personal life!

You’re doing the show in Los Angeles in a few weeks, do you have this American dream that as an actor if you’re successful in the USA you’ve « made it » ?

It’s really funny because I remember when I first started acting, you have this idea of what being a successful actor is and you think : being famous and doing movies, but now I just think to be a successful actor is to keep working doing projects you’re really passionate about, having fun and being paid for it! I mean just being able to play around and tell stories, I think that’s being a successful actor. Obviously there are times when you think : « I’d love to that and that and that! », but then it’s such a hard industry and if you’re having fun doing what you’re doing why would you want to do something else? But yes, obviously the grass is always greener and there is that American dream, but I’m having such a great time here at the moment!

Here you’ve been in shows such as Matilda or Peter Pan, do you find it important to put on massive productions like these to get children to the theatre ?

Absolutely yes! When you look at companies like Kneehigh they started off telling stories to children. I think that’s the most important thing because the first thing we learn as a baby is being told stories and being sung to. It’s one of the first things that we know as humans. I think it’s important when introducing young people to it that you show them something really good and that’s gonna engage them because that first experience will determine wether they like theatre or not. And I love it as well because you just get to be so fun and so silly when you’re doing children’s theatre! But at the same time you can put out really important messages without hammering it in, in a sort of telling them off kind of way.

The show was recorded and played in cinemas all over the world, do you like the idea of filming theatre ? Does it affect your performance ?

Peter Pan was a brilliant show, we did an NT live for it which was incredible because it allowed people who couldn’t make it over to London and people who can’t afford to go to the theatre to see it. It was really good because a lot of my family back in Wales who didn’t get to come up to see it managed to watch it in the cinema. My niece and nephew wouldn’t normally go to the theatre because they’re slightly too small but to take them to the cinema is not as big a risk, so it was brilliant because they got to see it and they kept shouting « Oh there’s uncle Marc! ». I’ve been to see so many productions that have been filmed because I’ve not had the chance to see them at the theatre so I think it’s an amazing idea. But then it’s very different when you’re doing it yourself. You have a moment of going « Should I tone down my performance? », because there’s a camera quite close. Also when it goes out live, even if they do a camera rehearsal before, you only get one shot at it. If it’s not live, they’ll film two or three shows and do a big edit of it which is nice for you. But, I suppose when it’s live if something goes wrong it’s gonna be documented and that’s what would happen on stage, that’s the great thrill of live theatre.

Have you ever thought of directing or writing your own show ?

Do you know what ? I have! Only recently, since working with Emma and realizing how creative your mind can be. I’ve started doing little bids and bods, I’ve got lots of ideas of things I want to do. Going up to Edinburgh for example was amazing, seeing people writing their stories and telling them, now I’ve got a passion for doing that as well, so we’ll see!

The Flying Lovers of Vitebsk is playing in Los Angeles from February 23rd to March 11th and then from March 20th to June 10th on tour in the UK.

Interview by Chloé Caye on 10/02/18, in London.

Marc Antolin (Marc Chagall) et Audrey Brisson (Bella Chagall) © Steve Tanner

Marc Antolin retrouve la metteur en scène Emma Rice pour la reprise de The Flying Lovers of Vitebsk, avec la compagnie théâtrale Kneehigh. Il reprend le role de Marc Chagall dans cette comédie musicale basée sur la vie artistique et personnelle du peintre, aux côtés de sa femme Bella. Avec des productions comme Matilda, Peter Pan ou encore Romantics Anonymous l’acteur enchaîne, sur la scène britannique, les performances variées et toutes plus impressionnantes les unes que les autres. Nous avons pu discuter avec lui le jour de la dernière representation de The Flying Lovers of Vitebsk à Londres, avant qu’il n’entame la tournée de la pièce aux Etats-Unis et au Royaume-Uni.

Y’a-t-il une différence entre jouer un personnage fictif et un personnage qui a réellement existé comme Marc Chagall ?

Il y a une grande différence oui, quand on joue un personnage réel on peut faire des recherches sur cette personne. Notamment avec Marc Chagall, j’avais accès à énormément d’informations : des vidéos, des images, des livres, donc j’avais un point de départ en quelque sorte. Au contraire quand on joue un personnage fictif on possède une liberté totale sur ce qu’on peut en faire. C’est particulièrement exaltant parce qu’on peut être aussi détaillé et imaginatif qu’on le souhaite. Mais ce qui est intéressant c’est qu’au théâtre même quand on joue un personnage réel on a ce droit de l’améliorer. C’est évident que dans une production théâtrale comme The Flying Lovers of Vitebsk, ce sont des versions exagérées de ces personnages. Par exemple, Marc Chagall était Russe, il ne parlait pas anglais, mais la metteur en scène Emma Rice m’a autorisé à garder mon propre accent gallois car c’était un peintre de classe ouvrière. Au contraire sa femme Bella vient d’une famille aisée, qui possédait plusieurs bijouteries, et c’est très agréable, grâce à ça, d’avoir cette difference d’accents entre les deux personnages.

As-tu besoin de t’identifier à un personnage pour pouvoir l’incarner ? 

Je pense que oui, on s’identifie aux personnages. Ce qui est sympa avec Marc Chagall c’est que j’ai le même prénom donc c’est déjà un bon début! On trouve des éléments qui nous ressemblent dans ces personnages et on les utilise toujours beaucoup, par exemple dans mon cas la nature un peu enfantine et impertinente de Chagall ainsi que le fait d’être un artiste. Même quand on invente des personnages on y met tout le temps un peu de soi ou d’autres personnes qu’on connait.

Même lorsque tu dois jouer plusieurs personnages à la fois comme dans Romantics Anonymous ?

C’était une experience très amusante car il y a aussi quelque chose de très excitant dans le fait de ne pas s’y identifier justement. Plus particulièrement pour ces types de personnages avec lesquels je n’ai aucun trait en commun. Mais dans ces cas là on joue quelqu’un d’autre et c’est, je pense, ce que jouer la comédie signifie n’est-ce pas ? C’est très plaisant de s’éloigner de qui on est et d’interpréter quelqu’un qui n’est en aucun cas associé à nous-même.

L’actrice qui joue ta femme dans la pièce a changé, étant donné que les deux personnages ont une relation incroyablement intime sur scène, as-tu l’impression que ta version de Chagall a été influencé par ce changement ?

Oui complètement! Audrey Brisson jouait Bella la dernière fois et Daisy Maywood l’interprète maintenant. Elles sont toutes les deux exceptionnelles et très différentes. Emma Rice était très ouverte à l’idée de changer la pièce, ses oeuvres sont toujours influencées par les acteurs qu’elle choisi. Quand elle reprend une production elle est très impliquée dans ce processus qui laisse le nouvel acteur apporter sa marque au projet. Pour moi, c’est très agréable car la pièce reste fraîche et cela me permet de trouver des nouvelles choses au lieu de refaire toujours pareil.

Tu as collaboré avec Emma Rice sur de nombreux projets, qu’est-ce qui t’attire particulièrement dans son travail ?

La première comédie musicale qui j’ai fait avec Emma était The Flying Lovers of Vitebsk il y a deux ans, depuis j’ai aussi fait Twelfth Night et Romantics Anonymous. Emma est incroyable et tellement motivante. Elle arrive à créer un espace de répétition où les acteurs peuvent s’amuser, ce qui est véritablement ce que tout le monde recherche, quelque soit le projet! C’est une démarche incroyablement divertissante, créative et imaginative. Je me souviens avoir vu sa production des Parapluies de Cherbourg il y a huit ans et j’avais adoré du début à la fin. Elle ne trompe pas le public, ne lui cache rien, il fait partie de la pièce et elle lui raconte des histoires superbes d’une manière stimulante, intelligente et simple.

Est-ce que jouer la même chose tous les soirs devient lassant à un moment ?

Pas du tout, dans ces types de spectacles Emma permet au public de participer donc les réactions changent complètement tous les soirs et on peut y répondre différemment. Surtout dans cette pièce j’ai tellement à faire tous les soirs, c’est très plaisant. On peut aussi modifier certaines choses chaque soir et être certains qu’avec Daisy si l’un de nous change quelque chose, l’autre l’accompagnera. De plus on part en tournée avec le spectacle donc plusieurs communautés vont réagir différemment. Nous allons en Amérique prochainement et je suis sûr que le public va complètement différer. Par exemple, quand nous avons joué au festival d’Edimbourg l’année dernière c’était très intéressant et amusant car beaucoup de personnes dans le public étaient aussi des artistes d’une certaine manière, du coup ils comprenaient vraiment toutes les blagues sur le fait d’être un artiste tourmenté et faire passer son art avant sa vie personnelle!

Vous partez jouer la pièce à Los Angeles dans quelques semaines, as-tu ce rêve américain qu’en tant qu’acteur si tu es connu aux Etats-Unis tu as « réussi » ?

C’est drôle car je me souviens quand on commence à jouer, on a cette définition d’un acteur qui a du succès, on pense : être connu et faire des films, mais je pense qu’être un acteur qui a réussi c’est de continuer à travailler sur des projets qui nous passionnent, se faire plaisir et être payé pour! Pour moi, juste avoir cette possibilité de s’amuser et raconter des histoires, je pense que c’est ça, avoir réussi en tant qu’acteur. Après, il y a des moments où l’on pense : « J’aimerai faire ça et ça et ça! » mais c’est une industrie tellement difficile que si on aime ce qu’on fait pourquoi vouloir faire autre chose ? Mais oui évidement, l’herbe est toujours plus verte ailleurs et il y a ce rêve américain, mais pour le moment j’aime trop ce que je fais ici!

Tu as joué ici dans des productions comme Peter Pan ou Matilda, est ce important pour toi de monter des grandes productions comme celles-ci pour inviter les enfants à aller au théâtre ?

Oui absolument! Quand on prend des compagnies comme Kneehigh, ils ont commencé en racontant des histoires pour enfants. Pour moi, c’est fondamental car c’est la première chose qu’on apprend quand on est enfant : se faire raconter des histoires et se faire chanter des chansons. C’est une des premieres choses que l’on connait en tant qu’humains. Je pense que c’est très important quand on place des jeunes enfants dans un public de leur montrer quelque chose de très bon et qui les motivera car cette première experience va determiner s’ils aiment le théâtre ou pas. J’adore ça aussi car on a le droit d’être complètement idiot et rigolo dans les pièces pour enfants! Mais en même temps on peut faire passer des messages très importants sans les forcer brutalement dans leurs esprits ou les réprimander.

Peter Pan a été filmé et joué dans des cinémas partout dans le monde, es-tu pour que le théâtre soit filmé? Cela affecte t-il ta performance ?

Peter Pan était une pièce brillante, on en a fait un National Theatre Live, ce qui était incroyable car ça a permis à ceux qui n’avaient pas pu venir à Londres ou qui ne peuvent pas se permettre d’aller au theatre de la voir. C’était super car ma famille au pays de Galles, qui ne pouvait pas venir, a quand même pu y assister au cinéma. Ma nièce et mon neveux sont un peu trop petits pour aller au théâtre, mais les amener au cinéma n’est pas aussi risqué, ils ont pu la voir et ils n’arrêtaient pas de crier : « Oh là y’a oncle Marc! ». Même moi j’ai vu énormément de productions filmées que je n’avais pas pu voir au théâtre, donc je pense que c’est une idée extraordinaire. C’est vrai que c’est assez différent quand on joue dedans. Il y a ce moment où l’on se dit « Est-ce que je devrais atténuer un peu ma performance? » car il y a une caméra très proche. De plus, quand c’est en direct, même si on fait une répétition avec les caméras, on a une seule chance pour y arriver. Quand ce n’est pas en direct, ils filment deux ou trois representations et font un grand montage avec, ce qui est souvent mieux pour les acteurs. Mais je suppose que quand c’est en direct si quelque chose tourne mal cela va être documenté, c’est ce qui se passerait sur scène et c’est ce qui rend le spectacle vivant si excitant.

As-tu déjà songé à écrire ou mettre en scène ta propre pièce ?

Figure-toi que oui, j’y ai pensé! C’est assez récent, depuis que je travaille avec Emma, j’ai réalisé à quel point notre esprit peut être créatif. J’ai commencé à travailler sur quelques petits trucs, j’ai beaucoup d’idées sur ce que j’ai envie de faire. Aller à Edimbourg était particulièrement incroyable, voir des gens écrire leurs histoires et les raconter, c’est un peu devenu ma nouvelle passion donc on verra bien!

The Flying Lovers of Vitebsk se joue à Los Angeles du 23 février au 11 mars 2018, puis à partir du 20 mars au 10 juin en tournée en Angleterre.

Propos recueillis par Chloé Caye le 10 février 2018, à Londres.

Auteur : Chloé Caye

Rédactrice en chef : ; 31 rue Claude Bernard, 75005 Paris ; 0630953176

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