La musique résonne, une pulsation sourde, rythmique, malsaine. Le tempo s’accélère, les corps défilent, rapides, élégants, regard fixé sur la caméra, main sur la hanche. C’est une spirale qui se forme sous nos yeux, des silhouettes qui s’enchaînent, points noirs sur fond blanc, un vortex sans fin de mannequins et de spectateurs qui nous avale sans possibilité d’échappatoire. C’est ainsi que s’ouvre le nouveau film de Xavier Legrand, qui revient après Jusqu’à la garde pour continuer sa »trilogie du patriarcat » et interroger une nouvelle fois le système pervers de la violence masculine.
Après un film d’études sélectionné à la Semaine de la Critique à Venise, Timm Kröger était l’année dernière de retour au festival italien mais, cette fois, en compétition. Il propose avec Universal Theory un film noir vertigineux, teinté d’humour et truffé de références…
Peux-tu nous en dire un peu plus sur la genèse du projet ? Avais-tu déjà un certain intérêt pour les mathématiques et la physique ou est-ce venu lors des recherches pour le film ?
Je vais essayer d’être concis ! Je crois que j’avais déjà un fort intérêt pour les maths et la physique lorsque j’étais adolescent. Mais c’était surtout engendré par des films hollywoodiens qui n’en parlaient pas très sérieusement, comme Good Will Hunting ou A Beautiful Mind. En devenant cinéaste, j’ai ensuite oublié un peu tout ça car on vous apprend à vous concentrer sur la part moins rationnelle de votre conscience pour faire des films – c’est une façon un peu courtoise de dire que j’ai senti mon cerveau un peu dépérir en école de cinéma ! (rires). Il y a 11 ans, j’ai fait un film qui s’appelait The Council of Birds et qui se déroulait en 1929. C’est après l’avoir réalisé que nous avons décidé de faire une trilogie de films, pour couvrir en partie l’histoire du 20ème siècle. Le premier traite de la fin de l’ère de la musique romantique et de la forêt allemande, des idées musicales qui flottaient dans l’air à cette époque. Et, de façon organique, c’est ce premier film qui m’a mené au deuxième. J’ai voulu qu’il soit sur les années 60 mais je ne savais pas encore sur quoi précisément jusqu’à ce que je pense au titre : Die Theorie von Allem. En allemand ça veut dire très littéralement la Théorie de tout. Une fois que j’ai eu ce titre, j’ai compris que ça allait se passer en 1962, dans les montagnes suisses, avec un physicien, du ski et un sombre secret caché dans un hôtel…
Tout cela t’est simplement venu à partir du titre ?
L’Empire semble exister autour d’une seule image : un croiseur interstellaire posée sur les plages de la côte d’Opale. Déjà amorcée dans Coincoin et les Z’inhumains, cette rencontre entre l’univers de Bruno Dumont et de la science-fiction va ici plus loin, transplantant à la relative simplicité du body-snatcher la démesure du space-opera.
Dans Universal Theory («La théorie du tout»), Timm Kröger parvient à réaliser un film sur ce qu’il y a d’universel dans le cinéma : ces petits riens et ces grands tout qui ont fait ses beaux jours et qui garantissent ses succès à venir. Il y a effectivement en Universal Theory, un film noir exemplaire, qui rend hommage autant qu’il innove.
“Quelqu’un est entré”, murmure d’une voix rauque le somnambule Hyun-Soo, sous le regard effrayé de sa femme enceinte, Soo-Jin. Point de départ de Sleep, cette réplique a priori banale, maintes fois ressassée jusqu’à devenir un trope comme un autre au sein du cinéma d’horreur, récupère ici de sa terreur originelle. Jason Yu, dont c’est le premier film, impose ce renouvellement par une subtile entorse au code établi : l’infraction mentionnée n’est pas en cours mais survient dans les secondes qui suivent, comme pressentie par le mari inconscient. De cette scène inaugurale glaçante découle la belle promesse de Sleep. Et si l’inquiétude ne se logeait plus dans une menace extérieure mais au sein-même du foyer, au cœur de l’être aimé qu’on pensait tant connaître ?
Les débats sur l’état actuel du journalisme ne manquent pas : chaînes contrôlées par quelques grands patrons, lignes éditoriales imposées et refus du pluralisme, ou bien recherche de la vérité, prise de risques et reportages coup de poing en première ligne des conflits ? Le troisième long-métrage d’Alix Delaporte, elle-même ancienne journaliste à l’agence CAPA, promet de nous plonger dans les salles de rédaction enfumées de ces équipes de grands reporters, dont l’intégrité et l’esprit d’enquête sont menacés par les décisions financières des producteurs.
En début d’année dernière, Charlotte Wells avait déjà, par le médium du cinéma, brisé toute logique temporelle en se mettant en scène avec le personnage de son père, au même âge, le temps d’une soirée. En ce début d’année 2024, un autre britannique, Andrew Haigh, nous propose de pousser le curseur plus loin en racontant l’histoire d’Adam, un jeune scénariste solitaire qui, parfois, va rendre visite à ses parents, décédés depuis longtemps.
L’Enfer des armes, troisième film de Tsui Hark jusque-là invisible dans de bonnes conditions, a pour protagonistes trois étudiants passionnés par les bombes. Plus abrutis que terroristes, ils vont faire la rencontre de Pearl, une jeune femme en prise à des pulsions violentes.
En 1997, Gilles Perret, jeune réalisateur de Haute-Savoie pose sa caméra chez ses voisins, dans la vallée du Giffre, à 100m de chez lui. Les Bertrand – dits les tontons – sont alors trois frères à la tête d’une ferme laitière. De ces images naissent son premier film documentaire, Trois frères pour une vie. Vingt-cinq ans plus tard, le même Gilles Perret revient faire état, en images, de la ferme des Bertrand. Il dépeint habilement la vie d’un territoire, de ses enjeux, mais également des désirs qu’il suscite et des barrières qu’il érige.
Alors que pleuvent, ces temps-ci dans les salles obscures, les biopics en tous genres, le prolifiquissime Quentin Dupieux s’attaque au frappadingue Salvador Dali… Tournoi au cours duquel le roi de l’absurde au cinéma portraitise le marquis, insigne peintre espagnol et principal représentant du surréalisme. Deux artistes décalés et appréciés du public. Un long-métrage qui promet. Ce titre éponyme n’en est pas moins le signe d’un biopic, on s’y attend. Une comédie dupieusienne d’ailleurs un peu plan-plan.
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