Faire sérieusement la critique de Barbie : un événement héroï-comique qui arrive rarement dans une vie, qui plus est pour une œuvre à laquelle personne ne croyait avant que Mattel ne concrétise le projet en 2019 et ne sollicite les talents d’une autrice à la mise en scène, Greta Gerwig, accompagnée au scénario par son mari Noah Baumach. De quoi métamorphoser un cauchemar annoncé en curiosité de l’année, nourrissant quelque espoir d’y trouver, malgré la mainmise industrielle, le regard singulier de la cinéaste au service d’une satire acérée, pop et loufoque. Hélas, devant le spectacle navrant d’un récit façonné comme les standards qu’il critique, on n’espère vite plus qu’une chose de Barbie : qu’elle se flingue aux barbituriques.
Nanni Moretti était-il malade ? Un film symptomatiquement morettien nous donne pourtant bien rendez-vous en salles dès le 28 juin. Quoi ? Vous dites « Enfin ! » ? Après plus d’une décennie d’attente – nous languissions depuis Habemus Papam aux côtés du cinéma plus convenu que le réalisateur avait fait sien, souffrant d’une carence de son intime particularité et de son originalité profonde : avec Mia Madre en 2015, un passage, soit, par le documentaire quand sort Santiago, Italia en 2018, puis Tre Piani il y a deux ans – nous retrouvons, enfin, ce savoureux style dont nous étions déjà si nostalgiques. Le diagnostic est formel, si Moretti était souffrant, il est à nouveau sur pieds. Il est temps de le retrouver.
Un matin, lorsque parut l’aurore aux doigts moroses en pays d’Amérique, parfois autrement appelé pays des déglingués, un jeune cinéaste songea : « et si je racontais l’Odyssée, telle qu’un Freud sous kéta, meth et subutex l’aurait imaginée, avec un Ulysse dépressif dopé aux cachetons, que son errance trop longue aurait frustré sexuellement au point d’enfler colossalement ses testicules, et dont le retour au foyer serait une corvée subconsciente, sa mère ayant remplacé Pénélope, une mère araignée, sadique et dévoreuse ? ». Alors, elle est pas belle l’idée ?
Attablé dans un bar, devant un match de football, un homme s’impatiente, s’agace, jusqu’à sortir de ses gonds face à l’exultation exhibée d’un autre spectateur qui a parié gros sur le leader de la rencontre. Une colère qui n’exprime rien d’autre que la détresse et la honte d’avoir perdu bêtement l’argent de sa femme, partie vivre à New-York pour payer les travaux de leur appartement. À l’aveu de cette faute, Kakhi, son frère, répond élégamment, sans reproche, sans jugement, incarnant le sens moral, mais jamais moraliste, que porte Brighton 4th.
The Lost King nous embarque avec lui dans une enquête ludique des plus réjouissantes, prétexte à un petit conte moral sur les faux-semblants. Si le film ne propose rien d’original en soi, chaque plan se voit savamment étudié pour devenir maillon rodé d’une mécanique jouissive de film policier mariée à la légèreté que la comédie sociale britannique sait imposer.
Trois ans après Enorme et son succès critique plus que mérité, Sophie Letourneur revient avec Voyages en Italie, une nouvelle comédie hors des sentiers battus, à l’ anti-romantisme rafraîchissant.
Comment est né le projet du film ?
Je l’ai écrit après un voyage en Italie que j’ai fait en 2016 avec le père de mon fils. Le voyage du film y ressemble beaucoup…
La plupart de vos films trouvent un ancrage dans une matière autobiographique, mais vous la remodelez de façon à mettre en lumière son caractère universel. Le générique d’ouverture de Voyages en Italie fait défiler des photos de couples anonymes en vacances en Italie. Était-ce une manière d’inscrire votre expérience individuelle dans une pratique finalement commune ?
Oui, je pense que c’est aussi pour cela qu’il y a un « s » à « Voyages » dans le titre. Quand on était en Italie, j’avais l’impression que tous les couples autour du nôtre faisaient le même voyage pour les mêmes raisons. J’ai trouvé ça drôle, et c’est ce qui m’a donné envie de raconter cette expérience.
Le pluriel du mot « voyage » est aussi un clin d’œil au Voyage en Italie de Rossellini, que le personnage de Philippe Katerine évoque avec Stromboli tandis que vous sillonnez la Sicile. Qu’est-ce que vous aimez dans le cinéma de Rossellini ?
Rossellini, c’est le premier cinéaste à mélanger des plans de documentaire avec des plans de fiction. C’est un pionnier pour cela. Et puis Voyage en Italie, c’est un film qui n’a pas été immédiatement compris à sa sortie. C’est un aspect que j’aime bien dans son travail : il fait de la recherche. Mais même si j’aime bien Voyage en Italie, je crois que j’ai une préférence pour Stromboli.
Dans une interview, vous disiez bien aimer « l’idée de revivre les événements, grâce à un film, pour comprendre ce [qu’il vous] est arrivé, pour que les choses ne s’arrêtent pas trop vite. » Est-ce que c’est pour cette raison que vous jouez dans certains de vos films ?
Lvovsky et magie riment pourtant bien, l’exemple en quelques longs : Camille Redouble, et son touchant retour vers le passé accroché à la voix de Yolande Moreau, ou encore Les Sentiments, où le hasard provoque conjointement enchantement et drame.
Youssef Salem, décrit par ses proches comme un « auteur raté, alcoolo, raciste et obsédé », trouve avec son premier roman un immense succès qu’il est bien le seul à regretter. S’étant fortement inspiré de sa famille, dont il dresse un portrait peu flatteur, le voilà prêt à tout pour empêcher ses parents de découvrir son œuvre.
Un décor assumé de carte postale, une Laure Calamy plus extravagante que jamais et une belle histoire d’amitié, le nouveau film de Marc Fitoussi ensoleille la grisaille de ce mois de janvier avec cette comédie légère où les chemins de deux amies d’enfance se rejoignent presque par hasard.
Que ce soit en fiction (Los exiliados románticos, La Reconquista et plus récemment Eva en Août) ou en documentaire (Qui à part nous ?), Jonás Trueba a très vite su dépeindre la jeunesse espagnole du XXIe siècle, ses questionnements moraux, existentiels, amoureux. Venez Voir ajoute une nouvelle pierre à l’édifice, en suivant deux couples d’amis qui se retrouvent après plusieurs mois. Mêmes acteurs, mêmes questionnements, même esthétique solaire : pas de doutes, nous sommes ici en terrain connu, à la croisée des thématiques de Rohmer et de l’économie des films de Hong Sang-Soo. L’auteur compose encore une fois avec un dispositif épuré, en aucun cas tape-à-l’œil, qui se fait observateur de scénettes quotidiennes, où la part entre écriture et improvisation est agréablement floue.
CULTURE AUX TROUSSES 