Après quatre longs-métrages de fiction dont le génial Fish Tank, Andrea Arnold s’essaye au cinéma direct. La démarche est à la fois poétique et politique : diminuant autant que possible les frontières qui séparent le spectateur du sujet, la réalisatrice nous propose de contempler pendant une heure et demie le quotidien d’une vache laitière appelée Luma, animal réduit en esclavage faisant partie intégrante de notre alimentation. Si un tel film aurait pu se limiter aux bas-fonds des festivals documentaires, il y a de quoi se réjouir qu’une cinéaste ayant tourné avec Michael Fassbender et Shia LaBeouf s’empare d’un tel sujet, lui assurant une projection à Cannes en 2021.
Après son excursion française avec La Vérité, Kore-eda nous transporte en Corée du Sud avec Les Bonnes Etoiles. L’occasion pour le cinéaste d’une immersion dans un inconnu pourtant si proche.
Imaginé par Carlo Collodi en 1881, Pinocchio semble être de ces contes qui ne cessent de trouver grâce et intérêt aux yeux des cinéastes, depuis l’adaptation de Giulio Antamoro en 1911. Après le catastrophique remake orchestré par Robert Zemeckis chez Disney en septembre dernier, c’est au tour de Guillermo Del Toro, passionné depuis ses débuts par les freaks, de poser un nouveau regard sur l’œuvre de l’auteur italien.
Depuis le superbe Une Affaire de Famille, le cinéaste Hirokazu Kore-Eda a choisi de décentrer son intrigue du Japon. Dans La Vérité, il nous place aux côtés d’une famille profondément dysfonctionnelle mais touchante, dont Catherine Deneuve est le cœur, et les nerfs. Cette année, direction la Corée du Sud en compagnie de Song Kang-Ho (récompensé par le prix d’interprétation à Cannes en mai dernier), chef d’une famille recomposée ou plutôt, recousue. Entre chronique familiale et road-movie, Les Bonnes étoiles est un film dans lequel l’humour n’a d’égal que la tendresse.
Votre œuvre est innervée par le motif de la famille, chacun de vos films proposant une variation sur ce thème central, avez-vous toujours le sentiment qu’il y a davantage à explorer sur ce sujet ? Qu’il reste encore quelque chose que vous n’avez pas cerné au milieu du nœud de complexité qui lui est inhérent ?
À vrai dire, je n’ai jamais le sentiment de faire la même chose, ou bien de faire un film sur la famille à proprement parler. Je ne fais jamais un film pour répondre à la question « qu’est ce que famille ? ». Je crois plutôt que la famille est le réceptacle, le socle à partir duquel je pars pour raconter d’autres histoires. Bien sûr, ces questions ont surtout commencé à me travailler quand je suis moi-même devenu père, c’est à ce moment-là que j’ai réalisé Tel père, tel fils. Dans les films antérieurs à celui-ci, j’avais pour habitude de prendre le point de vue de l’enfant et à partir du moment où je suis devenu père et j’ai perdu mes parents, mon regard à évolué. Même quand on traite d’un thème identique, notre perception et la façon dont on s’approprie ces questionnements changent. J’ai comme l’impression d’avoir comme une grande boîte avec des petits jeux de construction à l’intérieur qui, à force de s’assembler, dessinent une forme, mais au départ je ne sais jamais ce que ça va donner. Il y a toujours des découvertes. L’intention du film, je ne la découvre qu’en le faisant et c’est ce qui me permet de rester toujours autant impliqué et intéressé par ce que je fais. C’est ce qui me motive à continuer. Quand ma place dans la famille changera à nouveau, probablement que mon regard changera encore.
Les différentes personnes avec lesquelles vous tournez forment également une famille, dont vous êtes le noyau. Vous dîtes d’ailleurs que certains de vos films vous ressemblent, et que d’autres ressemblent à des membres de votre équipe. Pourriez-vous nous en dire un peu plus sur les dynamiques de travail au sein de cette famille de cinéma ?
Angela Delaney (Carolyn Bracken) a disparu. Alors que sa famille désespère de ne jamais la retrouver, elle revient au milieu de la nuit, indemne, sans aucune explication. De nombreux signes inquiétants se multiplient et sa fille Char (Hazel Doupe) commence à douter de cette femme qui prétend être sa mère. Halloween approche et, pour Charlotte, découvrir le secret que cache sa famille est peut-être la clé pour tous les sauver.
Six mois après Incroyable mais vrai, nous revoilà déjà sur la planète Dupieux. Une escale obligée chaque année, à laquelle on consent, pour peu qu’on soit un fervent zinzinphile, sans bouder son plaisir. Alors devant une bande de couillons en lycra bleu et jaune qui corrige une invraisemblable tortue géante, un casting « de malade[s] » et un rat répugnant version scabreuse de Splinter des Tortues Ninja doublée par Chabat, dur de faire la fine bouche.
Plusieurs fois interrompue pendant la crise sanitaire, La Ménagerie de verre, mise en scène par Ivo Van Hove, prend ses quartiers, pour de bon, à l’Odéon.
Alors que Les Chiens Errants semble marquer l’apogée stylistique de Tsai Ming-liang, Days présente encore un pas de plus vers l’idéal méditatif du cinéaste.
« J’aimerais que mon corps prenne toute la place, qu’il soit léger comme une plume ». Ce désir kunderien formulé par Lucas dans Le Lycéen est commun à tous les personnages de Christophe Honoré, chez qui légèreté et gravité, élans du corps et poids des sentiments, soubresauts des sens et tracas de l’esprit, s’entrechoquent.
Nancy Strokes, ancienne professeure d’éducation religieuse, a récemment perdu son mari. Alors que certains désirs refont surface, elle s’offre sur un coup de tête les services d’un prostitué, Leo Grande. Cette rencontre improbable bouscule leurs certitudes.
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